Tus primeros 60

El 3 fue tu cumple y, casi como una broma del destino, no pude escribirte en todo el día. Los mensajes a mamá no se mandaban, tampoco a los chicos. Me sentí muy sola. Con todo este dolor que vive conmigo pero que el 3 dolía más que de costumbre. Aunque sea necesitaba una computadora para escribirte, para desearte feliz cumple, como siempre, para decirte lo mucho, lo terrible, lo asquerosamente hiriente que es este sentimiento de extrañarte en permanencia.
Hubiese dado todo, cualquier cosa, por escuchar tu voz, porque, aunque sea, vengas a visitarme en un sueño... un ratito no más. Pero no, no estás.
Al borde de desesperar, decidí hablarte. Mientras caminaba, mientras tomaba el metro, mientras tomaba el bus para ir al aeropuerto porque justo ese día viajé a Barcelona. Y te hablé, te conté, te pedí tu opinión, te escuché... y estuviste.
Y sólo cuando cierro los ojos y me calmo, escucho tu voz que viene de adentro mío, de muy profundo. Sólo cuando me calmo te puedo agarrar de la mano -constatar que las mías son una versión femenina de las tuyas- y cruzar la calle. Sólo cuando me calmo estás, venís, vivís en mi. El dolor hace mucho ruido, ¿sabés? y no es fácil hacerlo callar.
A veces me vienen flashbacks de la pesadilla que vivimos los 5 esos días. Pero de una manera macabra puedo ver la belleza pura de esos momentos. De esos "mini milagritos" que se dieron y puedo revivir la sensación física de una mirada, de un suspiro, de tu última respiración.

Tus primeros 60 años...
Juntos cumpliremos muchos más...
Porque cuando me calmo
Vos vivís en mi.

Turner y sus Maestros

Hace algunas semanas fui a ver la maravillosa exposición “Turner et ses peintres” en el Grand Palais. Generalmente leo un poco sobre el artista y su obra antes de ir a ver una exposición y, por supuesto, después. Esta vez, en cambio, no tuve tiempo de hacerlo antes y decidí hacer el recorrido con una audioguía (una especie de radio-teléfono para colgarse del cuello. Hay que marcar el número de la pintura y la guía te cuenta la historia). La verdad es que fue genial y ahora pienso hacerlo en cada expo a la que vaya. Hice bien en pedirme el audio en inglés y no en francés porque imaginé que sería alguien con un elegante british accent el que me contaría los secretos de las pinturas de su compatriota. Así fue, apoyado, además, de bella música y extractos de textos o poesía que sirvieron de inspiración para cada obra.

De Turner conocía sus preciosas puestas de sol y sus cielos dorados pero no mucho más. Quisiera compartir un poco de lo que descubrí (gracias a la audioguía y al catálogo de la exposición que me regaló la persona con la que fui).

Inglés de pura cepa, Turner nació en Londres en 1775 y murió a los 76 años en la misma ciudad. Empezó su carrera muy joven como dibujante topográfico con acuarelas. Muy pronto sintió la necesidad de pintar la luz, de plasmarla sobre la tela y eso llegó a convertirse en la mayor obsesión de su vida. Alcanzar la perfección y lograr “entenderla” fue su objetivo hasta el día de su muerte.

Vivió en una época donde copiar a los maestros era la forma de aprender y lo que se esperaba de todo artista. Salirse de las normas garantizaba el fracaso y una muestra de eximia arrogancia. Durante el siglo XVIII no se buscaba la novedad en sí misma sino perpetuar el estilo de los grandes y citar las fuentes como prueba de gratitud. La idea no era la de hacer un pastiche de la obra de, por ej. Poussin o Lorrain, sino la de darle un toque personal, de retrabajarla expresando la propia personalidad y agregándole una nueva vida. Turner siguió esta regla tácita de su siglo escrupulosamente.

Port de mer au soleil couchant - Claude Gellée ("Le Lorrain") - 1639 - Musée du Louvre

Cuando Turner vio esta pintura, se puso a llorar diciendo que jamás él conseguiría alcanzar tal perfección. "Le Lorrain" será el artista que admirará durante toda su vida.

Turner pintaba exclusivamente lo que veía y la vasta colección de paisajes que pintó durante toda su vida tuvo como objetivo el de pintar la luz misma, una y otra vez. Expresando su materialidad, su color, su poder. Buscaba traducir la sensibilidad de la luz natural en una tela.

Europa estaba paralizada por las guerras napoleónicas  (1792 – 1815) y fue gracias a la Paz de Amiens (1802) que Turner pudo viajar por Europa y visitar los museos donde estaban expuestos sus maestros. Pudo visitar París y el Louvre donde pasó varios días admirando las obras y copiándolas en un cuadernito (que, de hecho, estaba en la exposición, ¡magnífico!). Además de apreciar las obras, Turner quería sentir la luz de cada ciudad que visitaba. Pudo apreciar la de París y la de Suiza, no así la de Roma, la que describió como “muy dura, brillante y directa”.

Fue aceptado a la Real Academia de Bellas Artes a los 27 años, uno de los más jóvenes de la historia en ingresar a tan prestigiosa institución. Fue profesor en esa misma academia y, según cuentan sus biógrafos, uno muy malo. Sus lecciones eran tediosas, monótonas, sus alumnos se dormían. A él no parecía importarle. Su personalidad arrogante le daba la suficiente seguridad.

El genio de Turner fue despertándose poco a poco. Pasando por el camino obligado de copiar a los grandes, se fue haciendo un nombre en el medio y ganándose poco a poco el respeto de los expertos. Esto le permitía tener más libertad y poder empezar a expresarse y a desarrollar un estilo propio. Fue uno de los pocos artistas que pudo vivir de su arte.

Turner murió en 1851 y dicen que sus últimas palabras fueron “now I shall discover what light is” y "the light is God".

Es muchísimo lo que podría decir sobre este gran artista. La exposición es fantástica (todavía no terminó y tengo ganas de volver a ir) y me llevó casi 3 horas recorrerla. Prefiero hacer una pequeña selección de las obras que vi y dejar que los ojos se me vuelvan a llenar de atardeceres.

(click para ampliar las imágenes)

The Fighting "Temeraire" tugged to her last berth to be broken up 

W. Turner . 1838; National Gallery, London

Crossing the brook - W. Turner - 1815 - Tate Gallery, Londres

The Decline of the Carthaginian Empire - W. Turner - 1817 - Tate Gallery, Londres

Arundel Castle with Rainbow - W. Turner - 1817 - British Museum, Londres

Bridge of Sighs, Ducal Palace and Custom House, Venice - W. Turner, 1833, Tate Gallery, Londres

Abajo, a la izquierda del cuadro, se puede ver a Canaletto, celebre pintor veneciano, pintando. Un claro homenaje.

What you will - W. Turner - 1822. W. Turner

Es una escena de la obra "Twelveth Night" de Shakespeare

Rome from the Vatican - 1820 - W. Turner

La primera vez que Turner fue a Roma tenía 42 años y estaba en el pico de su fama y creatividad. Quedó fascinado con la permanente asociación con la mitología y la antigüedad, hecho que dramatizó en las obras.

En esta pintura se puede ver a Rafael y su amante, "La Fornarina". Con esta obra Turner no sólo quizo rendir tributo a uno de sus maestros quien era considerado como la personificación del genio artístico universal -el mejor pintor de todos los tiempos- sino que es una especie de Manifesto, una declaración de su propio talento artístico, quizás comparándose en cierta medida al artista italiano.

Estoy contenta

Y esta canción de un dibujito soviético me pone de muy buen humor. Es la historia de ese barquito que reparte cartas en una isla tropical: Chunga Changa

Traducción en inglés:
Chunga-Changa deep blue dome of the sky
Chunga-Changa summer is all year-round
Chunga-Changa merrily living
Chunga-Changa singing little song

Wonder island wonder island
Living on it is easy and effortless
Living on it is easy and effortless
Chunga-Changa

Our happiness is constant
Chew coconuts eat bananas
Chew coconuts eat bananas
Chunga-Changa
Chunga-Changa there is no better place
Chunga-Changa we know no troubles
Chunga-Changa who lived here for an hour
Chunga-Changa won't leave us

Wonder island wonder island
Living on it is easy and effortless
Living on it is easy and effortless
Chunga-Changa

Our happiness is constant
Chew coconuts eat bananas
Chew coconuts eat bananas
Chunga-Changa

Chunga-Changa deep blue dome of the sky
Chunga-Changa summer is all year-round
Chunga-Changa merrily living
Chunga-Changa singing little song
Wonder island wonder island
Living on it is easy and effortless
Living on it is easy and effortless
Chunga-Changa
Our happiness is constant
Chew coconuts eat bananas
Chew coconuts eat bananas
Chunga-Changa

Letra en ruso:
Чунга-Чанга синий небосвод
Чунга-Чанга лето круглый год
Чунга-Чанга весело живем
Чунга-Чанга песенку поем:

Чудо-остров чудо-остров
Жить на нем легко и просто
Жить на нем легко и просто
Чунга-Чанга
Наше счастье постоянно
Жуй кокосы ешь бананы
Жуй кокосы ешь бананы
Чунга-Чанга.

Чунга-Чанга места лучше нет
Чунга-Чанга мы не знаем бед
Чунга-Чанга кто здесь прожил час
Чунга-Чанга не покинет нас.

Чудо-остров чудо-остров
Жить на нем легко и просто
Жить на нем легко и просто
Чунга-Чанга
Наше счастье постоянно
Жуй кокосы ешь бананы
Жуй кокосы ешь бананы
Чунга-Чанга.

Чунга-Чанга синий небосвод
Чунга-Чанга лето круглый год
Чунга-Чанга весело живем
Чунга-Чанга песенку поем:

Чудо-остров чудо-остров
Жить на нем легко и просто
Жить на нем легко и просто
Чунга-Чанга
Наше счастье постоянно
Жуй кокосы ешь бананы
Жуй кокосы ешь бананы
Чунга-Чанга
Чунга-Чанга 

¡Risas y buenas ondas!

Dos años

HACE APENAS DÍAS - Hugo Mujica


Hace apenas días murió mi padre,

hace apenas tanto.



Cayó sin peso,

como los párpados al llegar

la noche o una hoja

cuando el viento no arranca, acuna.



Hoy no es como otras lluvias

hoy llueve por vez primera

               sobre el mármol de su tumba.



Bajo cada lluvia

podría ser yo quien yace, ahora lo sé,

                             ahora que he muerto en otro.

Los cuadros hablan

Siempre me fascinó el simbolismo de las pinturas.

Hace poco fui a ver una expo maravillosa en la Pinacoteca de París: L'ÂGE D'OR HOLLANDAIS - De Rembrandt à Vermeer. La mayoría de las obras venían del Rijksmuseum de Amsterdam (donde sueño con ir desde hace mucho) y, como en las películas, pusieron los nombres "taquilleros": Rembrandt y Vermeer pero sólo había un par del primero y uno, sólo uno de Vermeer. Pero la expo me sirvió para descubrir muchísimos artistas neerlandeses maravillosos y desconocidos (por mí, por lo menos).

Después de una hora de espera para entrar y después, de las cientas de cabezas que miraban lo mismo que quería mirar yo y que te obligaban a adoptar posturas de contorsionismo (lo cual amerita otro post, "la cultura en masa", el "consumismo cultural-artístico" o como quiera llamarse), pude disfrutar de una preciosa exposición llena de dramatismo, juegos de luces, claroscuros y, por supuesto, simbolismos.

Estuve investigando sobre los diferentes elementos del único (y maravilloso) cuadro de Vermeer "La carta de amor" que había en la exposición y ésto es lo que encontré:

(Miren bien el cuadro primero)

Johannes Vermeer - De liefdesbrief (La carta de amor) - c. 1670 - Rijksmuseum (Amsterdam) - Óleo sobre tela, 44 × 38,5 cm

El laúd: este instrumento indica que la mujer es rica y que pertenece a una clase social acomodada. Su vestido amarillo con detalles de armiño también dan cuenta de su riqueza. El laúd es el símbolo de la armonía de las almas entre amantes (se dice que el sonido del instrumento resuena en el corazón). Estos son los primeros indicios de que se trata de una escena romántica.

Los cuadros sobre la pared, detrás de la criada y la señora de la casa: El mar y los barcos son una alusión al amor: uno se adormece, se ahoga, se es balanceado... Se sobreentiende que la persona amada está lejos. Los dos cuadros crean un efecto de "trompe l'œil" ("un trampantojo" o "trampa ante el ojo", es una técnica pictórica que intenta engañar a la vista jugando con la perspectiva y otros efectos ópticos.) y de "mise en abyme", otro recurso que, traducido literalmente, quiere decir "puesta en abismo" y que consiste en insertar una imagen en ella misma, es decir, en representar una obra dentro de otra obra, como si fueran las matrioshkas rusas.

Las pantuflas: ¿de quién son? Sin duda alguna de la mujer rica, la que recibe la carta. Accesorio femenino sofisticado y caro. ¿Por qué están en primer plano? una vez más, para hacer alusión al amor pero, más específicamente, al sexo porque el pie se presume desnudo, sensual y los zapatos son considerados como un símbolo sexual (sin entrar en cuestiones fetichistas).

El almohadón azul en el piso: está siendo bordado con puntillas y encajes (no sé si hay alguna diferencia entre una y otra, según la RAE una puntilla es un encaje) pero el trabajo no está terminado. El cuadro de "La Dentellière" (Musée du Louvre) del mismo autor, que fue pintado en la misma época. Se da a entender que la mujer prefiere tocar el laúd (hacer el amor) a bordar (trabajar).

La escoba: ¿qué hace una escoba en el medio de este ambiente decorado con cuadros, telas y tapices caros? Es un símbolo que hace referencia a los ángeles que eran frecuentemente representados como "los que barren los corazones", los que limpian los sentimientos.

La carta: evidentemente, después de todos los demás elementos, no cabe duda que es una carta de amor, escrita por un amante que se encuentra muy lejos de su amada.

¡Todo el cuadro habla de amor!

Antonio Canova

Esta historia empieza en 1801 cuando el Papa decide remplazar el Apolo de Belvedere de Leochares, situado en  los jardines del Vaticano desde hacía, por lo menos 200 años, por Perseo Triunfante o Perseo con la Cabeza de la Medusa de Antonio Canova.

Apolo de Belvedere de Leochares (Museo del Vaticano, 350 AC aprox.)

El Apolo de Belvedere de Leochares fue considerada desde mediados del siglo XVIII como el sumum de la perfección estética, la obra que representaba los ideales de la cultura europea helenística.
Napoleón trajo la estatua (224 cm) a París luego de su conquista en 1796, la llamada “Campaña Italiana”. Después de la caída de Napoleón, el Apolo fue restituído a su lugar de origen.

Perseo Triunfante fue comprada por el Papa y puesta en el lugar que antes ocupaba Apolo. Este hecho tan simbólico fue el inicio de una larga y conflictiva relación entre Canova y Napoleón Bonaparte.

Persée tenant la tête de Méduse – Antonio Canova (Museo del Vaticano, 1800). 

Líneas perfectas.

En 1797, Venecia o La Serenissima es vencida por las tropas napoleónicas y se rinde poniendo fin así a la República y a algo más de  mil años de esplendor y grandeza. Canova, ciudadano veneciano, odia Francia.
Napoleón, gran admirador de la obra de Canova, le comunica que a pesar de que la República de Venecia ha dejado de existir, se le conservará la pensión estatal que recibía y se le otorgará un atelier en Roma. Canova se traslada a la Ciudad Eterna.
Roma, en aquella época, vive el auge de un nuevo movimiento artístico: el Romanticismo, el cual surge como respuesta a la creciente industrialización trayendo nuevos valores estéticos y otros considerados como medievales tales como la angustia, el horror o la soledad.
Canova se opone a este movimiento reivindicando una vuelta a la Antigüedad y a los valores clásicos helenísticos.

Maddalena Penitente (Hermitage, San Petersburgo) 

La dramática pose de la Magdalena

Psyché ranimée par le baiser de l'Amour (Psyche revived by the kiss of Love). (Louvre, 1793) 

Psique vuelve a la vida con el beso de Cupido, el Amor. Los brazos crean un arabesco extraordinario, es un himno al amor de una virtuosidad asombrosa.

L'Amour et Psyché  (Musée du Louvre, 1797 )

Ilustra la inocencia, el amor casto frente al amor sensual. El alma de Psyche está representada por una mariposa en una clara alusión al neoplatonicismo donde el alma sería un ideal que se reune con la materia divina.

Canova viene 3 veces a París aunque muy a su pesar. Su relación con Napoleón Bonaparte es una de amor y odio, de profunda admiración por el segundo hacia el artista y por un sentimiento de ego y reconocimiento por parte del primero.
Después de una fiesta celebrada en honor a Canova, Josefina, Emperatriz de Francia y esposa de Bonaparte, expresa su admiración por el artista y su deseo de coleccionar sus obras. Se convertirá así en una de sus coleccionistas más apasionadas.

Canova esculpe un busto del Emperador a la imagen de un César moderno

Busto de Napoleón - (Hermitage, St. Petersburg)

Visto el éxito de su escultura ante su modelo, Canova le propone a Napoleón realizar una escultura de cuerpo entero: Napoleón como Marte desnudo. El Emperador no puede disimular su asombro pero, a la vez, tampoco puede rechazar tal ofrecimiento de tan reconocido artista. Tuvo que esperar 10 años para ver el resultado final:

Napoleone Bonaparte como Marte Pacificatore (Aspley House, Wellington collection, Londres - 1806)

Canova esculpe al Emperador idealizado como el dios Marte, vencedor, completamente desnudo y en pose  heroica como hubiese sido representado en la Antigua Roma. La figura no es excesivamente musculosa sino más bien atlética (de hecho Canova dice haberse inspirado de una estatua de un atleta presente en la  Galleria degli Uffizi.

Napoleón Bonaparte se siente humillado al ver la estatua y no le gusta. Canova está decepcionado.
Se arma una gran controversia en torno al acontecimiento. Denon le escribe una carta criticándolo. David le escribe otra halagándolo y expresando su admiración.
Cuando Napoleón es vencido por las tropas inglesas, Wellington compra la estatua y la instala bajo su escalera (donde todavía se conserva) a modo de trofeo.

En una futura exposición en el Louvre, Canova presenta esta obra con el título Pugilateur (luchador). En esta gran exposición del artista, Napoleón le ofrece ser director del Museo de Louvre. Canova rechaza el ofrecimiento y el Emperador, cansado de tantos rechazos le responde “andate come volete”.
Así Canova se va de París, renunciando al esplendor y los honores que le proponía el Emperador. Copiando a su admirado Tiziano quien tampoco sucumbió a los ofrecimientos tentadores de Filippo II.

La vida de Antonio Canova se apaga en su amada Venecia, el 13 de octubre de 1822. Máximo exponente del Neoclasicismo y, quizás, el último gran escultor italiano.

Antonio Canova – autorretrato (Gipsoteca Canoviana di Possagno, Italia - 1792)

Otras de sus grandes obras:

Las tres Gracias (Hermitage, San. Petersburgo). 

Fue un encargo de Josefina quien murió antes de que la obra estuviera acabada. Escultura preferida de Stendhal. 

Armonía perfecta. 

Ballerina con un dedo en el mentón (National Gallery, Washington DC., EE.UU. - 1816) 

Extraordinario movimiento de la tela.

Bust of Beatrice (Museum of Fine Arts, Boston, 1822)

Canova hizo este busto de memoria para Juliette Récamier, dama de la clase alta de quien estaba enamorado. Cuando ésta lo ve, no le gusta porque dice que es “muy a la antigua”. Canova, herido decide transformarla en un ideal de belleza clásica, a la imagen de las heroínas desencarnadas de la Antigüedad. 

La nombra Beatrice, en honor a la musa de Dante y haciendo así un paralelismo de “musa inaccesible” como Juliette.

Cuando Canova muere, Juliette Récamier, quizás arrepentida por haber rechazado al artista, hace un pelegrinaje a su ciudad natal, Possagno, en la privincia de Treviso. 

Post inspirado en una conferencia en el Louvre "Canova à Paris" - École du Louvre, enero 2010

Désormais...

je suis soumise aux caprices de la bureaucratie française.


Je n'ai qu'attendre.

On se sent tout petit parfois, non ?

Año Nuevo, Viejo Año Nuevo y Navidad Ortodoxa

Los países ex URSS tienen una serie de tradiciones que me gustaría compartir hoy, 13 de enero, Viejo Año Nuevo... ¿qué? Ahora les cuento.

Como todo el mundo sabe, la URSS era oficialmente secular y atea pero más de un tercio de la población pertenecía a alguna religión, mayoritariamente cristianos ortodoxos.

Después de la disolución de la URSS y de tantos años de no festejar, hoy, cada país independiente, festeja mezclando bellas tradiciones ortodoxas y paganas. 

Obviamente no soy una experta en la materia pero, por lo que pude entender, la mayoría de los países comparten una serie de costumbres que son muy hermosas y originales (para una sudamericana pseudo judía que no pertenece a ninguna religión).

Voy a intentar hacer un Top Ten de estas costumbres aprehendidas hasta ahora gracias a mi contacto con la comunidad ucraniana en Francia (y un poquito en Polonia). Acá va:

1. Como decía, la mayoría de la población es Ortodoxa, razón por la cual se festeja Navidad, sólo que no el 25 de diciembre sino el 7 de enero porque la Iglesia Ortodoxa se rige por el Calendario Juliano en vez del Gregoriano. Entonces ¡Año Nuevo es antes que Navidad!. Año Nuevo (si, "normal", el 31 de diciembre) es la gran fiesta, la más importante, el momento de los regalos, las fiestas, las grandes comilonas.

2. El arbolito se pone para Año Nuevo pero no tanto tiempo antes, como en los países católicos, sino sólo un par o, por lo que he escuchado, ¡a veces hasta el 31 mismo! La mayoría de las veces son pinos reales y parece que da tanta pena desarmarlo cuando terminan las fiestas que hay gente que lo deja armado varios meses. 

3. En Año Nuevo llegan Дед Мороз (Ded Moroz, literalmente "Abuelo Hielo") y Снегурочка (Snieguruchka, "nievecita" o algo por el estilo), su nieta. Дед Мороз es el equivalente a Papá Noel y trae regalos para todos pero, en lugar de hacerlo a escondidas, como el Viejito de Coca-Cola, lo hace en persona. Incluso me contaron que se puede contratar los servicios de una empresa especializada en enviar Abuelos Hielo y que el buen hombre y su nieta se aparezcan en tu casa. Originalmente ambos son personajes de cuentos y parece ser que el viejo antes era malo, malo. Se robaba a los chicos y pedía recompensas. Pero a mediados del siglo XIX la cosa se invirtió y éste adoptó algunas características de su colega, San Nicolás.

4. La Cena. Llegó el momento de hablar de la comida: algunos platos típicos que no pueden faltar en una mesa festiva de Europa del Este.

• селедка под шубой (seliedka pod shuboi): arenque cubierto de verduras
• Салат Оливье (salat olivie): ¡la famosísisisima ensalada rusa! Sí señores, ¡la ensalada rusa, es rusa! y no está muy alejada a la que conocemos, sólo que generalmente lleva carne además de los ingredientes habituales.
• Наполеон (Napoleon): un postre milhojas
• Champagne
• Mandarinas

5. Esta tradición es muy curiosa. La noche de año nuevo miran la película Ирония судьбы (Ironia sudbi, literalmente "Ironía del Destino"). Sé que en algunos otros países tienen esta tradición de mirar siempre la misma película (como en EEUU) pero en Argentina no existe nada parecido.

Esta fantástica película (sí, claro, la miré con subtítulos en inglés) de 1975 es una comedia soviética que todo, repito, todo el mundo mira por televisión la noche del 31, la mayoría de los canales de TV la pasan. Obviamente todo el mundo la conoce de memoria y van diciendo los diálogos a medida que pasan. Por alguna misteriosa razón todos la siguen viendo año tras año. Los actores son super conocidos allá y las canciones se convirtieron en culto. Hace poco hicieron la secuela con todos los mismos actores pero, como la mayoría de las segundas partes, parece que no es muy buena.

6. Dice esta buena gente que de la forma que empezás el año es de la forma que ese año será. Como un augurio, un indicio. Otra razón más para disfrutar con seres queridos y ser felices la noche del 31.

7. Navidad. Como dije antes, es el 7 de enero pero ¿por qué? 

En la antigüedad se usaron muchísimos métodos diferentes para calcular las fechas. Durante el Imperio Romano, el calendario que se usaba hasta ese momento estaba desfasado unos tres meses en relación a las estaciones. Fue entonces, en el año 46 AC que Julio César le encargó al astrónomo Sosígenes que invente un sistema más confiable. Es así como nació el Calendario Juliano en honor al Emperador.

Sin embargo este calendario tenía 11 minutos y 14 segundos más que el año solar, razón por la cual en el año 1582 el Papa Gregorio XIII corrigió ese desfasaje descartando 10 días que eran los que se habían acumulado hasta ese momento. Ese día, el 5 de octubre de 1582 se convirtió en 15 de octubre. Este es el Calendario Gregoriano, el que se usa hoy en día en prácticamente todo el mundo. La mayoría de los países habían cambiado  hacia el siglo XVIII pero Rusia (Lénin) recién lo hizo a principios del siglo XX. Et voilà por qué es el 7 de enero.

Navidad no es taaaan importante como Año Nuevo. Es más una celebración religiosa y familiar. Las familias religiosas hacen ayuno (bueno, no literalmente pero no comen carne y tienen que comer liviano).

El plato más importante se llama kutia y es de-li-cio-so. Es una mezcla de granos de trigo enteros, miel, semillas de amapola, jugo de compota de manzanas secas, nueces, pasas. Este plato simboliza todos los buenos deseos: esperanza, buenos augurios, felicidad, etc. Y alguna gente lo hace formar parte de una ceremonia de bendición del hogar.

Tradicionalmente la cena de Navidad consiste de doce platos simbolizando los 12 apóstoles.

8. A esta gente le gusta festejar, no caben dudas y no dejarán pasar ninguna oportunidad para hacerlo. ¿Estamos de acuerdo que finalmente habían cambiado el calendario, no? Bueno, pero no. Si siguieran utilizando el Calendario Juliano habría que celebrar Старый Новый год (Starii Novii God, o ¡"el viejo Año Nuevo"!) el 13 de enero, hoy. No es una fiesta oficial, no es feriado, pero se festeja con oooootra cena llena de deliciosos platos.

El Camarada Lénin no tenía idea del regalo que les iba a dar cuando decidió, en 1918, cambiar de calendario... ¡casi todo se festeja doble!

En Ucrania esta fiesta se llama Malanka y se celebra la víspera de año nuevo, el 13/01. Esta noche la gente va de casa en casa cantando villancicos, haciendo bromas y hacen juegos de adivinación. 

9. En la ex URSS había 11 (creo) husos horarios. Muchas familias tenían parientes en otras ciudades por lo que se brinda también cuando es medianoche en algún otro lugar. ¡Excusas, excusas para tomar!

10. Y, por último, mención especial a los brindis. Todo el mundo sabe que el vodka es la bebida nacional y que se toma y mucho. Se toma antes, durante y después de la cena en vasitos de shot. Cada vez que se toma un vasito ¡es fondo blanco!. Y cada vez hay que brindar (me hace acordar a mi querido abuelo que quería brindar todo el tiempo, ¡ahora entiendo por qué, su padre ruso le enseñó!). Hay un "esquema" de brindis a seguir (que obviamente no me acuerdo) pero se brinda por la amistad, por el/los anfitriones, por las mujeres y el amor, etc, etc...

¡Feliz Viejo Año Nuevo!

Funcionalidad vs Diseño

No creo que ambos sean excluyentes, al contrario, ¿por qué no hacer lindo lo útil?
Acá van unos ejemplos:

Lata de café diseñada por  Sanna Annukka, diseñadora finlandesa, 

para la marca de café finlandés Paulig

Radiadores de la marca belga Jaga. 

El que parece un arabesco se llama Heatwave. 

¿Por qué esconderlo si lo podemos hacer lindo y ponerlo a la vista? ¡fantástico!

Un banquito de cartón para chicos que soporta hasta 60kg. Diseñado por Sabrina Arina.

Esta silla se llama Conversation Chair y fue diseñada por Ana Linares. 

Un poquito cara, lo único: US$4500!

Placa para cocinar COOKA. El metal es plata, el mejor conductor térmico. El resto es silicona. Diseñado por Maurizio Maiorana

La diseñadora australiana Nina Ellis creó estos bols que se llaman Minna Fold Bowls.

Mis hermosas Dr Martens bordeaux. 

¡No me las saco desde hace una semana!

Beard alphabet by Tim Yarzhombek. No es muy útil pero me pareció gracioso.

Banco de plaza Kajen diseñado por Thomas Bernstrand, ¡cómo me gusta el diseño escandinavo!

Camita para gatos que se cuelga en la pared y se funde con la decoración. 

Creada por Akemi Tanaka, ge-nial

Año Nuevo

Dicen por ahí que el año nuevo será como lo empezaste.
En mi caso: amor, viajes, amigos, comidas ricas, conociendo nuevas culturas, aprendiendo idiomas, nieve y mucha buena onda.

Espero que hayan empezado el año de la mejor forma posible y que el 2010 cumpla con vuestras expectativas.

Feliz Año Nuevo!