John Singer Sargent - An artist in his studio (1904). Oil on canvas
"There’s this painting that I always keep with me, always. It's one of those little postcards reproductions. I've even made a gold frame for it out of balsa wood. The painting is called "The painter in his studio" and is by John Singer Sargent. The painting depicts a man painting a picture in his studio but his studio is not a artist studio but is the artist's home .. the man has the painting proped up on the bed in the bureau, there is no easel. You get the idea that the only things in the room are the bed, the bureau and the chair upon which the man sits. Much of this composition is given over to laundry and rumpled bed linens. The man is confined to extremely small quarters, the setting is grim and it contrasts with the painting that the man is working on, a landscape. Horses meander through a soft green medow, the trees are lush and full and the blue horizon is dotted with clouds.
Most Sargent comentators dismiss this painting they consider it to be nothing but a silly joke, an artist painting a landscape in his crammed dullful bedroom, but I consider this painting to be a masterpiece because it captures the idea that through art man is able to transcend his dismall swall surroundings.
This painting is not a joke, this artist is not painting a landscape. This artist is painting a window.
Look out this window for a moment, you'll find the view is brathtaking. I've spent my entire life looking for the way to get to the other side of this window. I've been told time and time again that I'm wasting my efforts but I've never given up. I've always known that there is a way to break the glass and crawl out over the window-sill, I've always been certain of it and I've made a vow that I'll never give up."
Es muy extraño este período de congés maternité. Recién ahora entiendo el significado de la dulce espera. Es como un paréntesis en la vida mientras todo y todos continuan su ritmo normal a mi alrededor. Las primeras dos semanas estuve sumamente activa: hacía mi clase de yoga en casa todos los días e iba a practicar al estudio 2 o 3 veces por semana, iba a la pileta, a museos, exposiciones, a caminar, a encontrarme con amigos, acomodé y reorganicé nuestro departamento, hice mi valija para el hospital, seleccioné tu ropita entre las bolsas y bolsas que nos dieron y después la lavé, cociné...
A partir de la 3ª semana, me empecé a sentir mucho más pesada y me cuesta un poco caminar. Los ligamentos de la parte más baja del abdomen tiran mucho y el peso ya es muy importante. Ya salgo mucho menos y me busco actividades dentro de casa.
Estas son algunas de las cosas que hice mientras te esperaba, este último mes:
Por primera vez (¡en mi vida!) hice un arbolito de Navidad y la festejamos en casa (me gustaría que se convierta en una tradición y empezar a festejar con vos, no como en mi infancia)
Aprendí a hacer algunos origami
Estoy haciendo un curso de Design online
Cocino seguido
Vamos bastante al cine
En general, estoy de acuerdo con Séneca:
Le plus grand obstacle à la vie, c’est l’attente qui se suspend au lendemain et ruine l'aujourd’hui.Sénèque
(El obstáculo más grande a la vida es la espera que interrumpe el futuro y arruina el presente)
Crearon un mundo marcado por los sueños y el misticismo. Por una religión alternativa, por el exotismo y el erotismo, por el onirismo, el universo de la poesía y del arte simbolista. Una exacerbación de la sensualidad, la figura femenina, las líneas de la naturaleza y todos sus elementos. Desarrollaron una nueva lógica donde quedaron excluidos los valores tradicionales.
El apogeo del Art Nouveau fue muy efímero (de 1895 a 1905) pero marcó -y sigue marcando- una era y, sobre todo en París, es imposible no encontrarse cara a cara con vestigios de este maravilloso movimiento artístico.
El Art Nouveau es un arte esencialmente urbano del cual París sea posiblemente la capital (sobre todo después de la Exposición Universal de 1900), pero también se encuentra en ciudades como Barcelona, Glasgow, Viena, Bruselas y Riga.
Castel Béranger (1895-98) de Hector Guimard, 14, rue La Fontaine, XVIème - Paris
Cartel de la rue Agar en el arrondissement XVI de París
Detalle de una ventana de la rue Agar - XVIème - París
Entrada del metro Porte Dauphine - H. Guimard
Metro Abbesses - XVIIIème - Paris
Metro Chardon Lagache - XVIème - Paris
Detalle de un edificio Av. de Messine - París - Arquitecto Lavirotte
Puerta del 29, Av. Rapp, París - Arquitecto Lavirotte
Techo del Palau de la Música Catalana - Barcelona
Detalle de la Casa Vicens (¡está a la venta!) de Barcelona
"La Divina", "La Voz de Oro", "La escandalosa" Sarah Bernhardt (1844 - 1923) - Daguerrotipo hecho por P. Nadar
Cléo de Mérode (1875 - 1966) - Formada en la Escuela de Danza de la Ópera de París. Bailó hasta la 1º Guerra Mundial. Uno de sus espectáculos más conocidos fue en la Exposición Universal de París de 1900.
Edgar Maxence - La Fumeuse
Hector Lemaire - La Roche qui pleure - 1900
Gustav Klimt - L'arbre de la vie
Maurice Bouval - Candelabros
Lámpara Tiffany
Afiche para el espectáculo "La Dama de las Camelias" realizado por Mucha
Afiche para un baile de máscaras
Afiche de Paul Berthon
Bijou realizada por Fouquet a partir de un diseño de Mucha - ca. 1900
Peineta Bizantina realizada por Fouquet siguiendo un model de Mucha
Publicación de 1899. Diseño de Mucha
« Il faut être toujours ivre. Pour ne pas sentir l'horrible fardeau du temps qui brise vos épaules, il faut s’enivrer sans trêve. De vin, de poésie ou de vertu, à votre guise. Mais enivrez-vous ! »
Charles Baudelaire
« Nommerunobjet, c'estsupprimerlestroisquartsde la jouissancedupoèmequi estfaitedubonheurdedevinerpeuàpeu; lesuggérer, voilà lerêve. »
Stéphane Mallarmé
Post inspirado de la exposición actualmente en curso en la Pinacoteca de París sobre el Art Nouveau. Cruzando la calle, la otra exposición es la continuación de ésta: Tamara Lempicka, la Reina del Art Déco... pero esa es otra historia
Disculpas por lo terriblemente mal insertadas que estás las imágenes. ¡Uno de los grandes defectos de Blogger es la inserción de imágenes!
Pasar el verano en París -sin irse de vacaciones- no tiene nada de malo. Durante el mes de agosto tuve poco trabajo y me pude dar el lujo de vagar por las calles de mi amada ciudad, descubrir nuevos lugares (siempre hay rincones ocultos) o volver a los preferidos.
También fui a varias exposiciones. Ésta fue una de mis preferidas:
Interesante aprender sobre la vida de Jonas Netter de quien nunca había escuchado hablar y, sin embargo, fue uno de los coleccionistas más importantes del siglo XX. Descubridor de talentos y extremadamente discreto. Sin él, artistas como Modigliani, Soutine o Utrillo no hubiesen existido. Netter era un amante del arte en general y de la pintura en especial. Cuando llegó a París desde su Alsacia natal, no tenía los medios suficientes para comprar obras de arte, particularmente impresionistas, sus preferidas. Pero su pasión lo llevó a interesarse por artistas desconocidos y se aventuraba en ateliers para encontrarlos. Para eso se asoció a un personaje remarcable: Zborowski, un poeta polaco (o al menos así se definía él) exuberante, sociable y extrovertido, su opuesto exacto. Es este personaje quien le presenta a Modigliani. Netter, un judío discreto, se fascina con sus obras y empieza a comprar todo lo que el italiano pintaba. En un momento llegó a tener más de 40 obras. Así empieza a conocer a otros artistas quienes, más tarde, formarían parte de lo que se denomina “La escuela de París”: Valadon, Kisling, Utrillo, Soutine y otros menos conocidos como Krémègne, Kikoïne, Hayden, Ébiche...
Amedeo Modigliani
Netter es una de esas grandes personas que llevan a cabo una obra magistral sin necesidad de publicidad ni fama, por el mas puro amor al arte, por el placer que le provocaba observar sus obras y hacerlas conocidas del gran público. (Chéri me decía ayer, cuando le contaba esta historia, que un judío que se enriquece comerciando con arte, no lo hace sólo por amor. Yo me quedo con mi imagen romántica del personaje). No lo dice en ningún lugar en la exposición pero yo sostengo que tiene una marcada preferencia por los artistas judíos (muchos de ellos murieron en campos de concentración en la II Guerra)... incluso Modigliani es sefardí.
Jeanne Hébuterne
Hay que situarse también en la época: París de la post-guerra, “Los Años Locos”. El recuerdo de la guerra está todavía muy presente y para librarse de él, todo está permitido. En ese momento, el barrio de Montparnasse estaba en plena ebullición artística. Se dejan de lado los tabues, las mujeres aligeran su vestuario (o se lo sacan, directamente, como Josephine Baker). En Montparnasse te podías cruzar con Picasso, Chagal, Zadkine, Gertrude Stein, Hemingway, Dos Passos, Henry Miller, Fitzgerald, Ezra Pound, Man Ray, Joyce o T.S. Eliot. Alguien dijo que en Montparnasse “bebemos y bailamos. Fumamos y hacemos el amor. Escribimos y pintamos. Coco, heroína y nieve (seguramente haciendo alusión a las drogas). Nos picamos y aspiramos entre el pulgar y el índice. La policía cierra los ojos. Cada uno y cada una quiere hacer su vida. Reinventamos el amor, totalmente, como las doctrinas estéticas o las formas de pintar. Con el mismo deseo de hacer “borrón y cuenta nueva”. No se vive mejor en ningún otro lugar, libremente, ¡he aquí la palabra clave!. El amor libre, el arte libre.”
El 24 de enero de 1920 muere Modigliani. Al día siguiente, su esposa Jeanne Hébuterne, embarazada de nueve meses y con una hija chiquita, se suicida. Estas muertes conmocionan el ambiente artístico de Montparnasse y sirven para tener una perspectiva de la importancia que tendrá Modigliani en el futuro.
Es en esta atmósfera tan pasional, esta ebullición cultural, que estos artistas tienen la suerte de pintar y existir.
Suzanne Valladon
Retrato de Zborowski - Modigliani
(*) Quodlibet: del latín quod : « lo que », y libet : «te place». La RAE prefiere la horrenda forma cuodlibeto que no pienso utilizar.
1. m. Discusión sobre un punto científico elegido al arbitrio del autor.
2. m. Dicho mordaz, agudo a veces, trivial e insulso las más, no dirigido a ningún fin útil, sino a entretener.
3. m. Uno de los ejercicios en las antiguas universidades, en que disertaba el graduando sobre materia elegida a su gusto.
Esta es, pues, mi disertación sobre un tema de mi gusto.
ChériДед Мороз (Ded Moroz) me regaló 2 entradas para ver Gisélle bailado por el Ballet de la Ópera Nacional de Kiev.
Fantômes, poema de Víctor Hugopublicado en 1829, cuenta que una joven española baila hasta morir por "exceso de amor":
La primera evocacion a las Wilis (criaturas miticas, espectros de jóvenes muertas, medio ninfas, medio vampiras, que persiguen a sus enamorados hasta la muerte) la hizo Heinrich Heine en una novela llamada De Alemania, publicada en 1835. A su vez, Heine inspiró a François Théophile Gautier quien sugirió a Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges el argumento para un ballet. Adolphe Adam compuso la música y Jean Coralli y Jules Perrot la coreografía. Perrot compuso el rol principal inspirado en Carlotta Grisi, bailarina italiana, compañera de Lucien Petipa y hermano de Marius.
Marius Petipa puso en escena Giselle en 1887 en el Teatro Imperial Marinski marcando así el comienzo del ballet moderno.
Giselle es el arquetipo del ballet romántico donde las emociones y pasiones bailan con una técnica maravillosa.
La historia del Ballet Nacional de la Opera de Kiev comienza en 1860. El primer espectáculo fue "La Bayadera", de Minkus.
Lo único extraño fue que en lugar de ser en un teatro, fue en una sala de conciertos. El ambiente era mas rock and roll que ballet, pero, sentados en las gradas y cuando la luz del puestito que vendía pochoclo se apagó, los ángeles en escena nos transportaron a una dimensión mágica.
La bulimia cultural de este último tiempo me llevó a ver:
Claude Monet - Grosse mer à Étretat - 1868
Musée d'Orsay - Paris
La fantástica exposición de Monet en el Grand Palais. Creo que es la exposición más grande de la historia de Monet: 200 obras venidas de una decena de países y muchas de colecciones privadas de otra manera imposibles de ver. Me dio la impresión que se quería mostrar "otro Monet", el que pintaba naturalezas muertas o retratos. Desde el realismo de los 1860's hasta el brillante impresionismo de los años veinte que desarrolló con maestría.
Claude Monet - Entrée du Port de Trouville - 1870
Budapest Szépm vészeti Múzeum
Es fantástico ver las diferentes series completas, como la de la fachada de la iglesia de Rouen, las vistas del Támesis, el Palacio Contarini de Venecia o las meules de foin(no sé cómo se dice en castellano, la RAE dice "almiar", no conocía esa palabra). Monet creía que cada momento era único e irrepetible y es por eso que estas series intentan captar la luz del mismo lugar en diferentes momentos del día o del año. Ver las series completas es una experiencia extraordinaria.
En París hay muchísimos Monet: en el Musée d'Orsay, claro, pero también en el Marmottan-Monet (obvio), en L'Orangerie (maravillosos murales de nymphéas) y en Giverny. Es por eso que no creí que esta exposición me iba a impactar tanto.
Me equivoqué. Con esta exposición redescubrí al maestro.
Podría seguir escribiendo una hora más sobre Monet pero quiero contarles otras cosas. Quizás algún día haga un post sólo sobre él.
André Kertesz - The fork - 1928
La exposición de André (Andor en VO) Kertesz (sí, tiene el mismo apellido que su nobelizado compatriota escritor), prolífico fotógrafo húngaro (Budapest 1894 - New York 1985) en el Jeu de Paume es otra gran maravilla. A pesar de que Kertesz es uno de los grandes fotógrafos del siglo XX y que legó la mayor parte de sus negativos al Estado francés, nunca había sido sujeto de una exposición exclusiva.
André Kertesz - La plaque cassée - 1929
Su extremadamente longeva carrera (prácticamente 70 años) permiten explorar su visión del siglo XX en Europa del Este, en Francia y en Estados Unidos. Sus fotos son una poesía expresada a través del contraste de blancos y negros, luces y sombras. A veces un detalle, una figura geométrica, la sombra de un objeto o de una persona, un gesto o, a veces, la foto cortada y centrada en un ángulo de la misma, nos hacen partícipes de la situación, como si espiáramos.
No creo que su obra sea una crónica de los acontecimientos del siglo, no creo que nunca haya querido mostrar eso sino las pequeñas situaciones de todos los días, los momentos olvidados, triviales o inexplorados. Él los resalta, les da valor, nos los muestra. Y nosotros agradecidos.
Mi inmersión en la cultura ruso-ucraniana me lleva a gratos descubrimientos (no debería atribuírme el crédito porque no los descubro sola sino que me los hacen descubrir...).
DDT (ДДТ) es una de las bandas de rock rusas más famosas y exitosas de aquél lado del globo, y totalmente desconocida de éste. (Pequeño paréntesis dentro de este paréntesis... lo curioso que es decir "de aquel lado del globo" cuando la distancia expresada en kilómetros es apenas la misma que la de mi ciudad natal a la capital de mi país. Sin embargo, la "distancia cultural" es realmente enorme, no así con mi pequeño pueblito patagónico... curioso...en fin, sigamos).
Son una especie de U2 ruso, con mega exitazos y un lead singer estrella y polémico: Don Iury Shevchuk. No sólo cantante, compositor y poeta sino que con un gran compromiso social y político con su país. Sus canciones expresan las falencias de sus país (antes URSS, ahora Rusia) tales como la libertad de expresión o el sufrimiento de la gente, pero también el orgullo de la "madre patria", de ser ruso, de la vida en general, todo con un humor muy cínico, muy ruso. Tras una serie de "altercados" con el ex presidente Putin (una provocación emitida en directo por la televisión nacional), una canción que dice algo así como que cuando se les acabe el petróleo, el presidente morirá(perdón rusoparlantes por la traducción mediocre e inexacta), una marcha contra la elección, contra diversas medidas antidemocráticas, contra la violencia en Osetia, en Georgia, etc, etc, etc. se convirtió en uno de los grandes opositores políticos de Putin y su régimen.
Pero volviendo al concierto en sí, puedo decir que era una de las poquísimas no rusoparlantes presente (una vez más y van...), lo cual fue una gran desventaja porque antes de cantar, Monsieur Shevchuk o simplemente "Iura", recitaba un poema de su composición o dialogaba con el público. Tiene una voz grave muy agradable y habla pronunciando y modulando muy bien (lo cual no es común, puedo asegurarles). Por eso, a pesar de entender muy muy poco de lo que decía, escucharlo era muy agradable. El sonido, la música del idioma es muy linda. Todavía estoy en la etapa "el libro está sobre la mesa" asique sus poemas, sus juegos de palabras, sus frases con doble sentido no están aún a mi alcance.
Y, finalmente, el flaco ¡es un rockero viejo! y, como a todo rockero viejo, es un placer escucharlo, verlo bailar y disfrutar del sonido de su guitarra. Un poco de panza, canas, anteojos pero el loco no paró de saltar ¡y dio un recital de más de 2 horas!
Va aquí un video de un concierto donde canta una canción que se llama "Ródina" (Patria)
Y, por último en el top 4 (??) de actividades culturales de estas dos semanas pasadas está... ¡Musica Nuda! Duo italiano que ya he visto en concierto varias veces pero que cada vez es una verdadera fiesta.Petra Magoni (voz) y Ferruccio Spinetti (contrabajo) versionan grandes clásicos de la música contemporánea internacional o italiana en versión totalmente libre, un poco jazzy, un poco lírica, un poco music hall. Es difícil definirlos. Petra tiene una voz extraordinaria que muta y se transforma en lo que ella quiera, puede susurrarte al oído una canción de amor, puede ser lírica y cantar una opereta, puede ser rock, jazz o simplemente tararear y hacer ruidos graciosos. Ferruccio le da un protagonismo único al contrabajo que no creo tenga en ninguna otra banda de rock/jazz/whatever. Arregla los temas de forma muy particular y hace solos que son ¡¡uuuffff!!
Los conciertos son una fiesta. La gente se rie, ellos están relajados, improvisan, se divierten.
Este es un video de una canción muy graciosa: "El camello e il dromedario". Diviértanse ustedes también.
(¡Cuántos paréntesis en este post! fiel reflejo de mi cerebro al cual le cuesta seguir una línea de pensamiento sin irse por la tangente)
Hace algunas semanas fui a ver la maravillosa exposición “Turner et ses peintres” en el Grand Palais. Generalmente leo un poco sobre el artista y su obra antes de ir a ver una exposición y, por supuesto, después. Esta vez, en cambio, no tuve tiempo de hacerlo antes y decidí hacer el recorrido con una audioguía (una especie de radio-teléfono para colgarse del cuello. Hay que marcar el número de la pintura y la guía te cuenta la historia). La verdad es que fue genial y ahora pienso hacerlo en cada expo a la que vaya. Hice bien en pedirme el audio en inglés y no en francés porque imaginé que sería alguien con un elegante british accent el que me contaría los secretos de las pinturas de su compatriota. Así fue, apoyado, además, de bella música y extractos de textos o poesía que sirvieron de inspiración para cada obra.
De Turner conocía sus preciosas puestas de sol y sus cielos dorados pero no mucho más. Quisiera compartir un poco de lo que descubrí (gracias a la audioguía y al catálogo de la exposición que me regaló la persona con la que fui).
Inglés de pura cepa, Turner nació en Londres en 1775 y murió a los 76 años en la misma ciudad. Empezó su carrera muy joven como dibujante topográfico con acuarelas. Muy pronto sintió la necesidad de pintar la luz, de plasmarla sobre la tela y eso llegó a convertirse en la mayor obsesión de su vida. Alcanzar la perfección y lograr “entenderla” fue su objetivo hasta el día de su muerte.
Vivió en una época donde copiar a los maestros era la forma de aprender y lo que se esperaba de todo artista. Salirse de las normas garantizaba el fracaso y una muestra de eximia arrogancia. Durante el siglo XVIII no se buscaba la novedad en sí misma sino perpetuar el estilo de los grandes y citar las fuentes como prueba de gratitud. La idea no era la de hacer un pastiche de la obra de, por ej. Poussin o Lorrain, sino la de darle un toque personal, de retrabajarla expresando la propia personalidad y agregándole una nueva vida. Turner siguió esta regla tácita de su siglo escrupulosamente.
Port de mer au soleil couchant - Claude Gellée ("Le Lorrain") - 1639 - Musée du Louvre
Cuando Turner vio esta pintura, se puso a llorar diciendo que jamás él conseguiría alcanzar tal perfección. "Le Lorrain" será el artista que admirará durante toda su vida.
Turner pintaba exclusivamente lo que veía y la vasta colección de paisajes que pintó durante toda su vida tuvo como objetivo el de pintar la luz misma, una y otra vez. Expresando su materialidad, su color, su poder. Buscaba traducir la sensibilidad de la luz natural en una tela.
Europa estaba paralizada por las guerras napoleónicas (1792 – 1815) y fue gracias a la Paz de Amiens (1802) que Turner pudo viajar por Europa y visitar los museos donde estaban expuestos sus maestros. Pudo visitar París y el Louvre donde pasó varios días admirando las obras y copiándolas en un cuadernito (que, de hecho, estaba en la exposición, ¡magnífico!). Además de apreciar las obras, Turner quería sentir la luz de cada ciudad que visitaba. Pudo apreciar la de París y la de Suiza, no así la de Roma, la que describió como “muy dura, brillante y directa”.
Fue aceptado a la Real Academia de Bellas Artes a los 27 años, uno de los más jóvenes de la historia en ingresar a tan prestigiosa institución. Fue profesor en esa misma academia y, según cuentan sus biógrafos, uno muy malo. Sus lecciones eran tediosas, monótonas, sus alumnos se dormían. A él no parecía importarle. Su personalidad arrogante le daba la suficiente seguridad.
El genio de Turner fue despertándose poco a poco. Pasando por el camino obligado de copiar a los grandes, se fue haciendo un nombre en el medio y ganándose poco a poco el respeto de los expertos. Esto le permitía tener más libertad y poder empezar a expresarse y a desarrollar un estilo propio. Fue uno de los pocos artistas que pudo vivir de su arte.
Turner murió en 1851 y dicen que sus últimas palabras fueron “now I shall discover what light is” y "the light is God".
Es muchísimo lo que podría decir sobre este gran artista. La exposición es fantástica (todavía no terminó y tengo ganas de volver a ir) y me llevó casi 3 horas recorrerla. Prefiero hacer una pequeña selección de las obras que vi y dejar que los ojos se me vuelvan a llenar de atardeceres.
(click para ampliar las imágenes)
The Fighting "Temeraire" tugged to her last berth to be broken up
W. Turner . 1838; National Gallery, London
Crossing the brook - W. Turner - 1815 - Tate Gallery, Londres
The Decline of the Carthaginian Empire - W. Turner - 1817 - Tate Gallery, Londres
Arundel Castle with Rainbow - W. Turner - 1817 - British Museum, Londres
Bridge of Sighs, Ducal Palace and Custom House, Venice - W. Turner, 1833, Tate Gallery, Londres
Abajo, a la izquierda del cuadro, se puede ver a Canaletto, celebre pintor veneciano, pintando. Un claro homenaje.
What you will - W. Turner - 1822. W. Turner
Es una escena de la obra "Twelveth Night" de Shakespeare
Rome from the Vatican - 1820 - W. Turner
La primera vez que Turner fue a Roma tenía 42 años y estaba en el pico de su fama y creatividad. Quedó fascinado con la permanente asociación con la mitología y la antigüedad, hecho que dramatizó en las obras.
En esta pintura se puede ver a Rafael y su amante, "La Fornarina". Con esta obra Turner no sólo quizo rendir tributo a uno de sus maestros quien era considerado como la personificación del genio artístico universal -el mejor pintor de todos los tiempos- sino que es una especie de Manifesto, una declaración de su propio talento artístico, quizás comparándose en cierta medida al artista italiano.
